|
|
Doctorat
L’EUR CAPS soutient la recherche doctorale et propose une formation intégrée sur cinq ans (M+D).
Elle accompagne les doctorant-e.s dans la mise en œuvre et en pratique de compétences en recherche-action et recherche-création. Des modules de formation, en lien avec trois écoles doctorales du pôle de Rennes – Arts, Lettres, Langues (ALL); Education, Langages, Interactions, Cognition, Clinique (ELICC); Sociétés, Temps, Territoires (STT) – ouvrent à ces nouvelles pratiques de recherche dans une optique interdisciplinaire et internationale. En mettant la recherche en situation d’expérimentation, l’EUR CAPS invite à un travail collaboratif à partir d’objets de recherche communs et intègre la co-construction et la co-valorisation avec le tiers-secteur de la recherche.
L’EUR CAPS se propose de jouer un rôle structurant pour les programmes de recherche sur l’espace public et de valoriser les objets de recherche développés à Rennes autour de quatre axes identifiés :
Art, mobilisations et citoyennetés
Formes et langages de la création dans l’espace public
Publics et création
Fabrique et transformation de l'espace public.
Les doctorant·es CAPS
Le rapport spirituel au territoire, une intervention dans les dynamiques locales à travers l'expression artistique : Le cas de Ngor.
Estelle laurent
Au Sénégal, l'espace public se caractérise par des interactions entre le spirituel, l'art et l'individu. Ainsi, la dimension spatiale des pratiques spirituelles issues de l’islam et celle pré-islamique fait partie intégrante des paysages, mais aussi de l’organisation sociale et parfois politique des territoires. De plus, les marqueurs spirituels et religieux visibles dans l’espace public contribuent au processus d’identification et d’attachement territorial. Souvent liés à des pratiques issues du domaine artistique telles que le graffiti, la peinture, la musique, etc. ces marqueurs nous renseignent sur les groupes sociaux en présence. Cette recherche se concentre sur le village de Ngor situé dans la capitale sénégalaise qui depuis plusieurs décennies s’inscrit dans une dynamique de globalisation des villes. À travers l’analyse et l’utilisation des pratiques artistiques, cette thèse explore les enjeux du rapport spirituel au territoire dans les stratégies d’occupation et de gouvernance des espaces publics.
Estelle Laurent Espaces et Sociétés ESO
Crédit et légende : Estelle Laurent fresque réalisée par Ndoye Arts, artiste qui a grandi à Ngor. Il s'agit d'une représentation de Seydina Issah Rouhou Lahi, le fils du fondateur de la confrérie religieuse Layenne accompagné d'une citation de Malcom X.
Photographie prise le 16 novembre 2022 dans une rue passante du village de Ngor.
Incidences et influences de l’ontophanie numérique sur la carrière des spectateurs et leur(s) communauté(s).
Gwendoline landais
Internet est désormais dans plus de 80% des foyers en France, son usage et ses publics s’étendent, renforcés par la récente crise sanitaire. Les réseaux numériques ne sont désormais plus utilisés exclusivement par certaines populations, certaines tranches d’âges, certaines professions.
Les institutions théâtrales, face à la numérisation de la société, utilisent ces mêmes réseaux afin d’offrir aux usagers d’Internet, spectateurs en puissance, de suivre activement ou passivement diverses communautés artistiques, devenant ainsi vecteurs de contenus culturels afin faire lien avec les lieux de diffusion et de participer à l'élargissement des publics ainsi qu'à la démocratisation culturelle.
L’avènement à vitesse exponentielle de l’ère numérique change la perception et le lien des individus au monde, à leur être-au-monde ; l’ontophanie numérique, concept développé par Stéphane Vial dans L’Être et l’écran (2013) interroge l’évolution de cet être-au-monde au travers l’histoire des techniques auquel est associé le développement numérique.
En effet, quelles incidences et influences l’ontophanie numérique génère-t-elle sur la carrière des spectateurs de spectacle vivant, sur les communautés numériques ou physiques auxquelles ils appartiennent ainsi que sur le développement des publics du théâtre qui lui-même se modifie en se digitalisant ?
On peut en effet supposer que cette ontophanie change le rapport des spectateurs aux objets artistiques, désormais soumis entre autres à la démultiplication transmédiatique (teasers vidéos, interviews, podcasts, réseaux sociaux…), à une temporalité numérique accélérée. Il s'agit de déterminer si notre ère digitale permet toujours de partager le temps commun de la représentation, les usagers ayant désormais des ressources sociales démultipliées, perpétuellement bousculées par l’omniprésence numérique.
Directrice de thèse : Marion Denizot
Unité de recherche : Arts : pratiques & poétiques
Théâtre & Numérique : blog de l'atelier Image Gwendoline Landais
Les vivants du quartier
constance Hinfray
Portant sur la place des vivants dans la cité, l’objet de cette thèse consiste à objectiver les changements de regards et de comportements en travaillant les modes de figuration, la relation entre l’art contemporain et la science dans le but d’expérimenter un “partage du sensible”, non pas entre des humains doués de compétences ou d’incompétences au commun, mais dans le cadre d’une cité partagée par les vivants. Formulé depuis le champ de la création artistique, le sujet de la thèse s’inscrit dans un contexte scientifique marqué par le réexamen critique de la modernité sur fond de crise environnementale.
De février à décembre 2023, Constance Hinfray Wendenburg collabore avec la station biologique de Paimpont (université de Rennes), Brocéliande Communauté et le département Ille-et-Vilaine dans le cadre d’une résidence de recherche-création liée aux relations entre sangliers et humains sur le territoire de Brocéliande.
Directeur de thèse : Nicolas Thély
Co-directeur de thèse : Bruno Peinado
Constance Hinfray Wendenburg est doctorante à l’EUR CAPS et accueillie au sein du laboratoire PTAC de l’université Rennes 2. Cette thèse de recherche-création est en partenariat avec l'EESAB - école européenne supérieure d'art de Bretagne.
Image Centre de documentation du musée de Bretagne - Espace des sciences de Rennes.
du son pour faire silence
lauren tortil
Du son pour faire silence est un projet de recherche création — à la croisée de la performance, des sound studies et de l’archéologie des médias — qui vise à questionner de manière critique et réflexive l’usage individuel des technologies sonores portatives que sont les écouteurs audios, et l’écoute médiate qu’ils induisent, dans l’espace urbain. Ce projet propose d’aborder ce phénomène contemporain par le biais d’une enquête historique sur la sortie commerciale du premier baladeur en 1979 : le Walkman TPS-L2 de l’entreprise japonaise Sony, devenu un objet iconique pour avoir révolutionné les modalités d’écoute à partir des années 80.
Pour ce projet, Lauren Tortil est lauréate de la Villa Kujoyama avec le soutien de l'Institut français et de la Fondation Bettencourt Schueller et de l'Institut français du Japon. Ce projet a été sélectionné par la commission mécénat de la Fondation des Artistes qui lui a apporté son soutien.
Directeur de thèse : Leszek Brogowski
Co-encadrante de thèse : Anne Zeitz
Lauren Tortil est doctorante à l’EUR CAPS et accueillie au sein du laboratoire PTAC de l’université Rennes 2.
www.laurentortil.com
Image Lauren Tortil
Éléments pour une école bétonnière
Tristan Deplus
L’école bétonnière est un projet de recherche-création à la croisée des disciplines (sciences de l’éducation, art, sociologie) qui vise à questionner de manière critique et réflexive — par la production, l’étude, l’archive et la diffusion de corpus documentaires — les dynamiques collectives d’occupation de l’espace public, dans leurs capacités à transmettre des conditions d’apprentissages et d’autonomisation de savoirs, avec les habitant·e·s et communautés des tissus urbains et péri-urbains. En prenant le pari du “tout-terrain”, dans un mouvement d’allers-retours entre des espaces divers (des marges aux centres, des TAZ aux institutions), ce projet de doctorat consiste à analyser les conditions de création, d’action et de transmission spécifiques pour produire des situations pédagogiques alternatives, afin d’objectiver des pratiques socio-éducatives et artistiques en mesure de renouveler le “savoir-faire collectif” dans nos villes.
Directeur de thèse : Xavier Riondet
Co-encadrant de thèse : Étienne Delprat
Mots-clés : habiter, métropole, infrapolitique, communauté, pédagogie sociale, éducation diffuse, économie de l’émancipation, savoirs informels, écriture documentaire, mise en récit, archive
ddabretagne.org/tristan-deplus
Image Tristan Deplus
Mettre en œuvre son pouvoir d’agir à travers l’art
GUILLAUME NEGRI
Lors de la crise sanitaire liée à la Covid19, de nombreuses personnes exilées ont débuté ou continué une pratique artistique. Cette observation révèle des stratégies mises en place afin de traverser des crises en développant sa capacité à devenir acteur et non plus spectateur de sa vie, et plus largement dans la situation d’exil afin de la supporter, de la traverser ou d’y résister. L’art est reconnu comme moyen de résilience et de résistance, que ce soit dans des épisodes de mobilisation citoyenne – comme en Irlande, lors des manifestations pour le droit à l’avortement – ou à des échelles plus réduites, comme à travers le théâtre de l’opprimé. Ce va-et-vient entre l’intime et le collectif qu’induit l’art en fait justement un moyen de s’affirmer une identité propre et de revendiquer une situation meilleure, permettant aux individus de faire partie de et de transformer l’espace public auquel ils appartiennent. Ce projet s’intéresse à ce lien entre l’art, la résilience et la résistance dans le contexte de crise constant qui peut être vécu par les personnes exilées, notamment les personnes sans-papiers. Il s’appuiera sur une comparaison unique entre la France et l’Irlande (Rennes et Cork), du fait de leurs divergences (par rapport à leur histoire de l’impérialisme et du colonialisme, mais aussi à l’évolution différenciée du système d’État-providence ou encore à la présence inégale d’associations œuvrant pour les personnes exilées) et de leurs convergences (notamment dans la sévérité des politiques migratoires). Le projet mobilise aussi une approche interdisciplinaire, entre la sociologie, la science politique et l’art, et des méthodes mixtes (quantitatives et qualitatives). Surtout, cette recherche a vocation à être une recherche-action et création en invitant la participation d’associations et de personnes concernées, et en mettant en place des ateliers de création artistique qui seront à la fois un objet de recherche et une plateforme pour les personnes concernées.
https://arenes.eu/membres/negri-guillaume/ Image : Atelier de cyanographie avec des personnes exilées au Bâtiment à Modeler à Rennes
Poésie politique et expériences conviviales dans l’espace public
Alice Baude
Le geste poétique dépasse l’écriture de poèmes, il est aussi élan, une manière de décaler le regard, et possiblement : de rassembler tous et toutes. En offrant une fenêtre de réflexion sur l'altérité et son éthique, cette recherche-création s'interroge sur la poésie et son pouvoir d’action sur les relations humaines, dans une démarche de care. Aurait-elle une faculté politique de levier de métamorphose social ? Des dispositifs artistiques conçus pour la convivialité peuvent-ils participer à créer ou à soutenir des relations empouvoirantes ? Comment nourrir les imaginaires d'une convivialité généreuse en participant à ce qu’émerge un courage collectif ?
Le concept de care, qui désigne la capacité à prendre soin d'autrui, à s'engager dans des relations interpersonnelles et sociales dialogue avec la convivialité, qui dépasse de la simple coexistence humaine pour construire des interactions généreuses et empouvoirantes. Cette notion d'empouvoirement désigne le processus par lequel l’on acquiert une plus grande autonomie, davantage de confiance et de capacité d'action. La convivialité, objet de cette recherche-création, est donc plutôt systémique que dans un entre-soi, elle est basée sur l'ouverture à l'autre dans une perspective d'empouvoirement collectif.
Photographie Marie Serres-Giancotti.
Écriture collective de poèmes dans la rue avec les enfants du quartier de la Grand'Mare (Rouen), dans le cadre du projet Pavillon-s 2024.
La (Re)construction d'un nomadisme visuel : L'art visuel comme instrument de visibilisation pour les femmes migrantes et/ou réfugiées dans la région du Moyen-Orient et de l'Afrique du Nord
AYA CHRIKI
Ce projet de recherche-création en histoire de l'art s'intéresse aux parcours des femmes artistes exilées originaires de la région ANMO (Afrique du Nord et Moyen-Orient) et résidant soit en France, soit en Égypte ou en Jordanie. Il examine l'impact de l'exil et de la migration sur leurs pratiques artistiques, en se concentrant particulièrement sur celles qui maintiennent une production artistique visuelle continue depuis 2011. Le projet explore comment l'exil et la migration influencent non seulement leur production artistique, mais aussi leur positionnement dans les scènes artistiques des pays d'accueil.
À travers l'analyse de créations visuelles contemporaines, ce travail s'intéresse à des thématiques telles que l'identité, la mémoire, la résistance et l'intersectionnalité. Il examine également comment leurs œuvres établissent des liens avec d'autres femmes, avec leurs pays d'origine et avec leurs sociétés d'accueil.
Le projet se compose de deux volets : une analyse théorique de leurs pratiques artistiques et une création inspirée des parcours des différentes femmes rencontrées au cours de ce travail. Ensemble, ces deux approches offrent une réflexion sur l'agencéité artistique des femmes en exil et sur leur rôle dans le discours artistique contemporain.
Directrice de thèse : Marie-Noëlle Semet
Co-direction : Fabienne Dumont ECLLA de l'université Jean Monnet de Saint-Étienne.
Unité de recherche : Pratiques et théories de l'art contemporain.
Tajarob, photographie Aya Chriki
Les rôles des femmes dans la critique d’architecture contemporaine de 1930 aux années 1990 en France
Manon Knockaert
« Le stylo est plus puissant que l’édifice » (D. Favro, 1996). La thèse entend retracer la constellation des actrices du « monde » de la critique d’architecture afin de mettre en lumière l’importance de leurs apports dans sa définition contemporaine. Au croisement de plusieurs disciplines (histoire de l’art, sociologie des professions, études sur le genre), la recherche investit autant les revues spécialisées, la presse générale, que de nombreux fonds d’archives.
Des décennies peu couvertes par le domaine de recherche sur l’histoire des femmes dans l’architecture seront explorées : les années 1970, 1980 et 1990. Ainsi que deux domaines dans lesquels l’histoire des femmes reste à entreprendre : la critique de l’urbanisme et celle du design. Cette étude transversale a pour enjeu de dévoiler l’ampleur et la diversité de leurs rôles. Quels furent les canaux d’accès que les femmes investirent afin d’accéder à cette pratique discursive ? Quelle fut leur place au sein du réseau de la critique ?
Enfin, en parcourant les stratégies que les femmes s’approprièrent afin de s’imposer dans ce milieu, la recherche présentera leurs contributions vis-à-vis de la dissémination de la pratique de la critique d’architecture vers le débat public.
Directeur de thèse : Hélène Jannière
Unité de recherche : Histoires et critiques des arts
Photographie: Lisa Fonssagrive avec une robe de Lucien Lelong à destination du portfolio Vogue Paris du cinquantenaire sur la Tour Eiffel par Erwin Blumenfeld , mai 1939.
© The Estate of Erwin Blumenfeld